Durante siglos, el arte ha sido considerado un privilegio reservado a una minoría: reyes, iglesias, museos y coleccionistas privados han decidido qué se exhibe, quién lo consume y, sobre todo, quién lo produce. En nuestra región —y en especial en municipios como Paracho, Michoacán— esta lógica se ve reflejada en la casi total ausencia de espacios institucionales para la creación y difusión artística. A falta de políticas públicas que fortalezcan y democraticen el acceso al arte, los creadores locales se ven obligados a depender de iniciativas privadas o de voluntad propia, sorteando limitantes económicas y sociales para compartir su obra.

Por contraste, los recientes recortes y medidas de censura cultural en Estados Unidos demuestran que privar a las comunidades de nuevos espacios de expresión no solo empobrece el tejido social, sino que consolida un mercado del arte especulativo, donde los dueños de “tesoros” antiguos elevan su valor ante la escasez de propuestas nuevas. Frente a este escenario, se vuelve imperativo impulsar acciones individuales y colectivas que recuperen y multipliquen los espacios para el arte, garantizando que personas de todas las edades y contextos puedan crear, exponer y conectar con su comunidad.

El arte como botín de élites y su especulación

Desde el mecenazgo renacentista hasta los grandes museos europeos y las subastas en Estados Unidos, el arte ha sido mercantilizado y controlado por élites políticas y económicas. Quienes poseen colecciones antiguas —pinturas, esculturas, manuscritos— se benefician de que la producción de obra nueva permanezca bajo mínimos, ya que la escasez eleva el valor de sus piezas. Así, el arte se convierte en un activo financiero, desvinculado de su verdadero propósito: comunicar ideas, emociones y cuestionar el statu quo.

El sistema de galerías de lujo, ferias internacionales y casas de subasta establece barreras de entrada para quienes carecen de contactos, estudios formales o recursos económicos. A jóvenes artistas, creadores indígenas o de zonas rurales se les exige “legitimidad” a través de títulos, reseñas en prensa especializada o ventas previas. De este modo, la narrativa cultural se homogeneiza y se relega el arte popular, comunitario y experimental.

Lecciones desde Estados Unidos: recortes y censura cultural

Con el inicio de su segunda presidencia el 20 de enero de 2025, Donald Trump firmó varias órdenes ejecutivas para recortar fondos a las principales agencias culturales de Estados Unidos: el National Endowment for the Arts (NEA) y el National Endowment for the Humanities (NEH). Bajo la etiqueta de “eficiencia gubernamental”, el flamante Department of Government Efficiency (DOGE), liderado por Elon Musk, detuvo más de 80 % de las subvenciones y puso en licencia al mismo porcentaje del personal de la NEH, redirigiendo millones de dólares a proyectos patrióticos como el “National Garden of American Heroes” (Artnet News).

Pese a que la producción artística no cesa, las restricciones a iniciativas de Diversidad, Equidad e Inclusión (DEI) han obligado a instituciones como el Smithsonian a cerrar oficinas dedicadas a estos programas, cancelar exposiciones de mujeres, minorías raciales y artistas LGBTQ+, e incluso borrar menciones transgénero de sitios web oficiales (Wikipedia, la enciclopedia libre). Curadores y directores, temerosos de represalias o de perder subvenciones, optan por la autocensura, evitando mostrar obras críticas con el gobierno.

Además de la cancelación de becas y exposiciones, los aranceles a importaciones artísticas encarecen materiales —desde pigmentos hasta equipos de sonido— y obstaculizan la circulación de creadores internacionales. Los grandes centros culturales ceden terreno al mercado privado, mientras el público masivo ve reducidas las ofertas gratuitas o de bajo costo.

Paracho y el confinamiento cultural

Paracho cuenta con la sala de conciertos del CIDEG y el Museo del Club de Lauderos, pero ambos funcionan de manera muy limitada: una sola temporada anual de conciertos (Festival Internacional de la Guitarra, primera semana de agosto) y una exposición permanente que no se renueva. Los dos cines municipales dependen de control eclesiástico —uno convertido en “centro de oración” y el otro apenas activo para eventos esporádicos—, lo que demuestra la ausencia de políticas culturales municipales que garanticen continuidad y diversidad.

En este contexto, los músicos, pintores, muralistas y poetas de Paracho deben autoorganizarse: alquilar espacios, asumir costos de materiales, gestionar permisos y promocionarse sin apoyo institucional. Al carecer de un mercado local estable, muchos migran a otras actividades económicas o ven limitado su desarrollo creativo.

Desde temprana edad, a quienes muestran inclinación artística se les advierte: “Escoge una carrera de verdad” o “algo que te dé para vivir”. El arte se minimiza como hobby o pasatiempo, rara vez como profesión digna. Esta mentalidad reproduce el elitismo cultural: solo quienes “hacen arte” de manera formal y respaldada por instituciones son considerados artistas de verdad.

Por qué el arte debe democratizarse

• Derecho universal: El Convenio de la UNESCO sobre la protección y la promoción de la diversidad de las expresiones culturales reconoce el acceso a la cultura como un derecho humano fundamental.
• Cohesión social: Proyectos comunitarios de arte —murales, talleres, festivales locales— fortalecen el tejido social, fomentan el sentido de pertenencia y reducen la violencia y el aislamiento.
• Salud mental y bienestar: Crear y contemplar arte mejora la salud emocional, desarrolla la creatividad y ofrece herramientas para procesar realidades difíciles.
• Desarrollo económico: Industrias creativas generan empleos directos (artistas, docentes, gestores) e indirectos (turismo cultural, venta de artesanías, gastronomía).

Al restringir el arte, se priva a la comunidad de estos beneficios. Cuando el Estado y las instituciones no cumplen su rol, el mercado vuela al rescate… pero con lógicas especulativas que elevan precios y concentran la producción en pocos actores.

Propuestas de acción

• Autogestión artística: Organizar muestras en patios, mercados o avenidas principales; producir fanzines, podcasts o videos que difundan el trabajo propio y de colegas.
• Formación uno a uno: Grupos informales de estudio y práctica (cineclub, coro comunitario, taller de dibujo, pintura, etc.) donde los propios artistas impartan y compartan conocimientos sin costos elevados.
• Uso de plataformas digitales: Crear canales de YouTube, cuentas de Instagram o blogs colectivos para exhibir obras, promover eventos y generar micromecenazgo.

Acciones comunitarias

• Ferias y festivales autogestivos: Emular al Festival Internacional de la Guitarra pero con artes visuales, performance, danza y teatro local, organizados por colectivos vecinales y asociaciones civiles.
• Murales comunitarios: Con el apoyo de escuelas y comerciantes, destinar muros públicos a proyectos de intervención artística que reflejen la identidad local y refuercen el orgullo de pertenencia.
• Asambleas culturales: Espacios regulares de diálogo entre creadores, autoridades municipales y ciudadanía para definir políticas culturales mínimas: dotación de espacios, concesión de becas locales, integración de artes en planes de desarrollo.
• Convenios con instituciones educativas: Incorporar talleres artísticos en todos los niveles escolares, reconociendo la creación como parte esencial de la formación integral de niñas y niños.
• Presupuestos participativos: Proponer y votar proyectos culturales en los procesos de asignación de recursos municipales, asegurando financiamiento para iniciativas independientes y comunitarias.
• Redes de colaboración regionales: Vincular Paracho con otros municipios michoacanos (Pátzcuaro, Uruapan, Morelia) a través de circuitos artísticos itinerantes, compartiendo espacios y audiencias.
• Alianzas con organizaciones internacionales: Solicitar apoyos de ONGs y fondos culturales globales que financien capacitación, intercambio y becas para creadores locales.

El arte como camino de liberación

El arte no es un adorno ni un lujo; es una herramienta de conocimiento, resistencia y transformación. A través de la creación artística, podemos:

• Visibilizar injusticias: Retratar problemáticas sociales y ambientales que suelen quedar fuera de los discursos oficiales.
• Construir memoria colectiva: Rescatar tradiciones orales, artesanías y rituales que fortalecen nuestra raíces culturales.
• Fomentar el pensamiento crítico: Los lenguajes artísticos invitan a cuestionar estructuras de poder y a imaginarnos futuros posibles.
• Tejer comunidad: Actividades artísticas compartidas generan vínculos de solidaridad y empatía entre participantes.

Cuando abrimos los espacios del pueblo al arte del pueblo, rompemos las ataduras de un sistema que intenta silenciarnos. Cada mural, cada canción compartida en la plaza, cada texto leído en voz alta es un acto de emancipación.

La exposición colectiva del aniversario de Uërani no es solo una muestra de obras; es un manifiesto: el arte es de todos y para todos. Al democratizar el acceso a la creación y a la contemplación, desmontamos el elitismo cultural y transformamos nuestros territorios en espacios vivos donde florecen nuevas ideas y se robustecen los lazos comunitarios. Inspirados en las lecciones de Estados Unidos —donde las medidas de censura y recorte priman la acumulación de activos culturales— proponemos una ruta de autogestión, colaboración y exigencia de políticas públicas inclusivas. Solo así lograremos que el arte deje de ser un lujo para convertirse en el motor de liberación y dignidad que nuestra región merece.

Una raíz que no se ve.
     El olor del maíz cuando revienta en la lumbre.
         Flor que nadie sembró, creciendo sola al borde del camino.
Sombra de nube en la tierra sedienta.
             Vela encendida sin razón.
         Silencio de noche con estrella.
     Papel viejo lleno de palabras.
Aroma de leña cuando empieza a arder.
     El barro que recuerda tus dedos.
         Una caricia que no esperabas.
             Mirada que dura más que el día.
                 Brisa que llega cuando ya no podías más.
             Comer algo rico cuando no lo pediste.
         Un trago de agua clara.
     El canto de un pájaro que no sabías que estaba ahí.
Ropa tendida oliendo al sol.
Tierra mojada después de mucho tiempo.
               Una puerta que se abre despacio.
          El roce de una mano en el mercado.
          Un perro que te sigue sin conocerte.
     La sombra de un pino a mediodía.
Una estrella que se deja ver justo antes de dormir.
         La palabra que no se dijo pero se entendió.
                 Un abrazo largo sin explicación.
La voz que te nombra en lo bajo.
         Una cicatriz que ya no duele.
                 Luz entrando por la rendija.
         Una cobija doblada en la esquina.
La promesa que no se rompió.
         Una flor en el sombrero del muerto.
                 Piedra tibia en el río.
         Una silla vacía que espera.
El ruido del metate en la madrugada.
         Una canción que escuchas de lejos.
                 Café servido sin preguntar.
         La espera sin desesperación.
El recuerdo que no da tristeza.
     La calma después del trueno.
         Un “quédate tantito más.”
             La luna bajando sobre la troje.
                 Una palabra escrita con torpeza.
                     El cielo que huele a uinumo.
                         Una planta que crece fuerte, sin nadie que la cuide.
Tierra oscura.
     El sol que no quema, sólo alumbra.
         Una lágrima que no cae.
             El silencio que acompaña.
                 El barro cocido.
                     El pan recién horneado.
La estrella brillante.
             La noche que no da miedo.
     El alma que no se va.
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La luz del atardecer se filtra entre las rendijas de la ventana, tiñendo de oro viejo las paredes de la vieja casa de adobe. En el aire, flota todavía el aroma de la fruta fresca: mangos jugosos, guayabas dulces, el perfume inconfundible de la naranja. Y allí, en el centro de aquel escenario, está ella: Irma Hernández Aguilera, la portadora de la vida, la guardiana de mi corazón.

Desde su niñez, mi madre supo transformar un extenso solar en un reino de sueños. Con sus manos pequeñas, recogía el barro y la hierba, moldeando columpios en las ramas de un aguacate centenario que se alzaba como un árbol guardián. ¿Pueden imaginar su risa, jugueteando en aquel asiento improvisado, mientras el viento jugaba con su cabello? ¿Cómo se sentía la libertad cada vez que el columpio la elevaba hacia el cielo naranja del crepúsculo?

Me habla de su padre, mi abuelo Feliciano, un roble en medio de la llanura. Tras su arduo jornal, llegaba con un cargamento de frutas variadas, un tesoro que disolvía el cansancio y reunía a la familia alrededor de un banquete improvisado. ¿Qué palabras pronunciaba él mientras partía la sandía con su cuchillo de mango pulido? ¿Cómo sus historias de campo tejían la magia que luego ella heredó?

Las muñecas de elote y las casitas de cartón que creaba con ingenio materno cobraban vida en su mundo infantil. Cada trastecito era un universo donde ella era princesa, señora de aquel solar. ¿Acaso ya intuía entonces la grandeza de su papel como protectora?

Hoy, al recostar mi cabeza en su regazo, desaparecen mis miedos. Su abrazo es mi refugio, un santuario donde sé que todo estará bien. ¿Han experimentado alguna vez esa sensación de paz absoluta, cuando el latido de un corazón ajeno se sincroniza con el propio? Su calor no solo calienta mi cuerpo, sino que enciende una llama permanente en mi pecho: el fuego inextinguible de su amor.

Aun cuando las carencias económicas la obligaron a abandonar sus estudios, se convirtió en enfermera de mi cuerpo y de mi alma. Con manos de madre y mirada de psicóloga, sabe exactamente cómo aliviar mi dolor: un té de hierbas, un consejo oportuno, una canción suave arrancada de su memoria. Es chef, maestra, confidente… ¿Cómo describir con palabras la magnitud de tal entrega?

Pese a mis errores, mis rabietas y mis silencios, ella nunca deja de procurarme. ¿No es acaso infinitamente valioso quien te acoge aún en tu peor versión? Cada gesto suyo es un recordatorio de que una madre es mucho más que una palabra: es un abrazo que desafía la distancia, un abrazo que trasciende el tiempo.

Y en su rostro se dibujan las huellas de la vida compartida: surcos de risas, arrugas de preocupaciones, manchas de lágrimas veladas. Sin embargo, su mirada sigue brillando con la fuerza de una llama antigua. ¿Cómo puede un solo ser portar en su mirada la ternura y el coraje al mismo tiempo?

“Dios bendijo a las siervas mansas, y a las lobas que llevan la garra en el alma también las bendijo”, me dice, al más puro estilo de Catalina Pastrana. Y en esa frase veo el equilibrio perfecto: la humildad de quien da sin esperar, y la ferocidad de quien defiende con uñas y dientes lo más sagrado: la familia.

Preguntas para la reflexión

1. ¿Qué momentos de tu infancia te hicieron sentir protegido, y quién fue el artífice de esa sensación?
2. ¿Cómo transformas los recursos disponibles a tu alrededor en algo significativo para los tuyos?
3. ¿De qué manera el sacrificio silencioso de una persona cercana ha moldeado tu propio carácter?
4. ¿Qué gesto de amor materno (o paternal) ha quedado grabado para siempre en tu memoria?
5. Si tuvieras que describir con una metáfora el amor inextinguible de quien te cuida, ¿cuál elegirías y por qué?
6. ¿De qué forma reconoces y celebras a aquellas “loberas” —mujeres valientes y tiernas— que pueblan tu vida?

Así concluye este escrito dedicado a quien me enseña día tras día que el amor es un fuego que nunca se apaga: mi madre, Irma Hernández Aguilera. Que estas páginas sirvan como ofrenda a su fuerza silenciosa y a ese cobijo tan suyo, tan mío, tan eterno.

Esta obra es dedicada para mí estimada Maestra Areli Alejandra Cortés Figueroa.

En el crepúsculo dorado de Tingambato, donde la tierra vibra al compás de viejas leyendas y la música se funde con el alma, se alza una mujer cuyo saxofón es el eco mismo de la vida. Ella no solo toca; ella despierta en cada nota el resurgir de una esencia milenaria, la identidad de un pueblo que, como ella, sabe que la esperanza nace en el dolor y en la lucha.

En la penumbra de un escenario humilde, donde las luces titilan como estrellas que caen del firmamento, su instrumento se convierte en el lazo que une historias y sentimientos. Cada soplo se eleva como un suspiro, narrando las vicisitudes de generaciones que han aprendido a transformar el llanto en canto, la adversidad en poesía. ¿No es acaso en el murmullo de su música donde encontramos la llave de nuestro propio ser?

La mujer del saxofón es la personificación de la resiliencia. Su mirada, intensa y serena, refleja el fuego inextinguible de una fuerza interior. Con cada acorde, convoca a los espíritus de aquellos que han transitado senderos de soledad y abandono para hallar en la comunión de notas un refugio seguro. Su saxofón se transforma en un puente entre el pasado y el presente, un recordatorio de que la cultura es un torrente interminable que fluye en el alma del que se atreve a soñar. ¿Qué nos dice su melodía sobre la esencia de la libertad?

En la vastedad del escenario, donde la penuria y la dicha se entrelazan en una danza eterna, el instrumento se erige como arma y como escudo. Es el testimonio palpable de que la fortaleza de una mujer no reside únicamente en su capacidad para soportar las tempestades de la vida, sino en su decisión de transformar cada golpe en una nota vibrante, en un canto de resistencia y transformación. Así, el saxofón se convierte en símbolo de cambio positivo, en esa esperanza tangible que tanto anhelamos y que se manifiesta en la sinfonía de cada ser. ¿Podemos escuchar en cada nota el llamado a renacer y a reinventarnos?

 Tingambato, tierra de músicos, acuna a un sinfín de mujeres de espíritu indomable. Aquí, cada calle, cada rincón, vibra con la fuerza de quienes se han atrevido a convertir sus anhelos en realidades. Mujeres líderes, de mirada firme y corazón generoso, que entienden que lo único que se necesita es querer hacer para transformar ideas en acciones, para convertir el dolor en cobijo y la soledad en música. La ciudad es un lienzo donde se pintan historias de amor, de lucha y de solidaridad, en las que cada nota es un grito de libertad y un homenaje a la vida. ¿No es en la osadía de comenzar, en el simple acto de querer, donde se forja el destino?

La historia de esta mujer y su saxofón invita a reflexionar sobre la capacidad humana de renacer. Cada acorde es un recordatorio de que la música no es solo sonido, sino un lenguaje universal que une corazones, que sana heridas y que transforma el dolor en belleza. En ella, la fragilidad se funde con la fortaleza, y el silencio se ve roto por un torrente de esperanza. Así, la mujer se erige como guardiana de la memoria, narradora de los amores, de las luchas y de los logros, con el saxofón como único y fiel compañero. ¿Qué lecciones nos deja la valentía de transformar el miedo en melodía?

Este capítulo es un tributo a todas aquellas mujeres que, con su arte, desafían las convenciones y se atreven a ser portadoras de un legado ancestral. Su música es el espejo en el que se refleja la complejidad de nuestra identidad, la amalgama de culturas que nos hacen únicos, la mezcla de raíces y sueños que configuran nuestro presente. En cada nota resuena el grito silencioso de un pueblo que ha sabido sobrevivir a las tempestades, un llamado a la renovación constante, a la búsqueda incesante de ese cambio positivo que transforma las sombras en luz. ¿Acaso no encontramos en cada acorde la fuerza necesaria para reinventar nuestro destino?

El saxofón, en manos de esta mujer, se convierte en el arma más poderosa contra la indiferencia. Es un símbolo de la capacidad de transformar el vacío en un canto lleno de vida, de convertir la soledad en un abrazo colectivo, de hacer del dolor una fuente de inspiración. En el eco de su música se esconde la promesa de un mañana mejor, donde cada nota invita a la reflexión, donde cada vibración es un paso hacia la libertad. ¿Será que la verdadera revolución se teje en el silencio que antecede a la nota perfecta, en ese instante efímero donde la realidad se funde con el sueño?

Mientras las luces se desvanecen y el aplauso se convierte en un murmullo colectivo, la mujer y su saxofón permanecen como guardianes del tiempo. En Tingambato, su legado trasciende el mero acto de tocar; es un manifiesto de vida, un recordatorio de que en cada ser humano existe una melodía única que merece ser escuchada. Su arte es la llave que abre puertas a mundos insospechados, a rincones del alma que se iluminan con la fuerza de la pasión y la determinación. ¿No es, entonces, la música la más pura forma de rebeldía, la más dulce y poderosa expresión del espíritu humano?

En este viaje musical, se nos invita a contemplar el milagro de la existencia a través del prisma de la resiliencia y la creatividad. La mujer del saxofón es un faro que guía a quienes buscan un refugio en la tormenta, una señal de que, incluso en los momentos más oscuros, la luz de la esperanza puede brillar con fuerza. Su melodía es un llamado a la acción, a la valentía de transformar el dolor en arte, de convertir la adversidad en una sinfonía que celebre la vida en toda su complejidad. ¿Estaremos dispuestos a dejar que la música nos muestre el camino hacia la libertad y el cambio?

Que este capítulo sirva de espejo y de puente, una invitación a descubrir en cada uno de nosotros la fuerza de una mujer, la determinación de un pueblo y el poder transformador de una melodía. En cada nota del saxofón se esconde la promesa de un renacer, la certeza de que en el arte y en la vida, el verdadero poder reside en el amor, en la pasión y en el inquebrantable espíritu de quienes se atreven a soñar.

Reflexión:

• ¿Cómo transforma el arte las adversidades en fuentes de esperanza?
• ¿Qué significa para ti escuchar en una nota el eco de la identidad y la cultura de un pueblo?
• ¿De qué manera el acto de iniciar un sueño se convierte en la chispa de una revolución personal y colectiva?

Este es el legado de las mujeres de Tingambato, guardianas de una historia que sigue escribiéndose en cada compás, en cada latido y en cada suspiro que se escapa al resonar de un saxofón. Siempre música, siempre vida.

“¿Ya lloró la Virgen?” Es una frase que desde niño he escuchado y dicho cada viernes de Dolores. La tradición del Altar de Dolores, o altar a la virgen de los Dolores, y ese recorrido en busca de las casas que lo montan, para preguntar “¿Ya lloro la virgen?” para recibir una paleta o un vaso de agua fresca, es algo a lo que le tengo un cariño invaluable.

Al igual que otras tradiciones religiosas, los significados guardados en los pequeños detalles y elementos del altar, nos brindan información acerca de la tradición misma. En el altar predominan dos colores: el morado, que representa el luto y la penitencia de la Virgen María; y el blanco, símbolo de su pureza, al igual que se llena papel picado del mismo color, veladoras y macetas con germinados de trigo o chía, que simbolizan la vida nueva y esperanza y el agua de frutas o nieve, que significan las lagrimas que derramó la virgen por la pasión de cristo.

Qué linda es Dolores en Cuévano

Con cada visita que hago a la ciudad de Guanajuato Capital, o como la llamó Jorge Ibargüengoitia en sus libros: Cuévano, me maravilla la cantidad de imágenes de la virgen de los Dolores, que encuentro durante mis recorridos de la misma. Aparecen en nichos, fachadas, esquinas o en altar principal del mercado Hidalgo, como una presencia silenciosa pero constante.  Me parece interesante el punto anterior ya que son muchas más que otras representaciones religiosas que he llegado a observar en la ciudad en cada una de mis visitas y eso me lleva a pensar en la profunda devoción popular que en esta figura mariana ha sembrado en el corazón de la ciudad y región.

Cada Viernes de Dolores, en Cuévano, se celebra el Día de las Flores, una tradición que al igual que otras tradiciones en el país, combina lo religioso con lo festivo, lo intimo con lo colectivo. Ese día, el centro histórico, se transforma: las calles y fachadas se adornan con flores y papel picado. Las familias o comercios, montan altares en honor a la virgen, decorados con elementos simbólicos típicos que se mencionan al inicio.

Durante la tarde y noche, se realizan procesiones y pequeños desfiles donde se llevan en andas imágenes de la Virgen, bellamente adornada con flores naturales. En este día es común observar familias y turistas visitando el centro histórico en específico el jardín de la unión donde se montan comercios vendiendo flores, u algunos altares donde te regalen un vaso de agua o una paleta como en representación de las lagrimas de la virgen de los Dolores

El Día de las Flores, con el paso de los años, ha dejado de ser solo un homenaje a la virgen de los Dolores, ahora también es una celebración donde se mezcla, historia, arte, religiosidad popular y sentido comunitario.

Dolores

La tradición heredada por mi abuela materna de montar un altar a la Virgen de los Dolores y regalar agua de horchata con fresas a todo aquel que llegue tocando la puerta y pregunte: “¿Ya lloro la virgen?”, es algo que ha marcado profundamente mi vida.

Aunque no me considero religioso en su máxima expresión, esta costumbre siempre me ha llenado de emoción, por todo lo que implica: desde la preparación del altar, el cuidado y elección de las flores, hasta la elaboración del agua fresca, todo hecho con esmero y cariño, acompañando y ayudando a mi madre.

Es un proceso que, más allá del aspecto devocional, se convierte en un acto de comunidad, de encuentro y memoria. Montar el altar no es solo decorar un rincón de la casa; es honrar una costumbre que ha pasado de generación en generación, que nos invita a detenernos, a mirar con otros ojos y recordar aquellos conceptos que van más allá  de la fe, pero derivan de la misma, como la hospitalidad y comunidad.

Pero la pregunta aquí, para el lector es:

Tons, ¿Ya lloró la virgen?